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爱丁堡艺术学院2020毕业展 - 纯艺专业

作者:ag8游戏大厅登录 发布时间:2020-07-13 03:23 浏览次数:

  挑战您对什么样的艺术应该有的先入之见,并发现我们的新毕业生将如何应对当今时代最大的问题,包括种族、多样性、包容性和气候危机。

  Evie的毕业作品集名为《后迪士尼时代》,这个自创的术语用于描述卡通人物和动画片的当代文化渗透,作品融合了雕塑、绘画、文本和印刷制品。该作品探索了数字文化中中的流行元素,如面部过滤器和AR应用,如何通过“真实事物”和“虚拟数字化“的并置来描绘现实社会。Evie通过运用与童话故事、卡通和数字文化主题相关的图像来完成了自己的构想。

  “后迪士尼”一词不仅仅是迪斯尼文化,还与艺术史的各个时期紧密相关,特别是后互联网艺术的当下。Evie的作品中文艺复兴时期的绘画被数字滤镜覆盖,当代与历史图像并置的实践反映出该学科将艺术实践与艺术史研究结合的特点。当代与历史结合、作品使用的材料和技术所产生的张力创造出一种矛盾的感觉,吸引着观众的兴趣。

  Samuel发现包括自己在内的许多年轻人过着有趣、无忧无虑和疯狂的生活。他将现实中的个人元素转化为基于特定动物图案的艺术品,将这一概念与讽刺和幻想元素相结合,将男性所处的荒诞的生活作为作品的主题。

  Samuel将年轻人所处的世界称为“花花公子区”,一个由逃避主义驱动的世界,充满了结构化的秩序和规则中的局外人。这些人无视规则,处于青少年和成人之间的边缘状态,利用享乐主义来逃避现实世界。作品中的狐狸和流浪猫通常被认为是美丽而优雅的动物,但是一旦城市环境受到破坏,这些动物便会被生活的混乱和肮脏所吞没。

  (再)编排;海报系列;我是Dido;屏幕测试;向John Barry特别致谢

  Michelle的艺术实践探索了真诚的表达与人造物之间的张力。通过表演性镜头,真诚的表达是如何成为陈词滥调的艺术品,通过手势和运动图像来研究表达的风格化。

  Michelle反对艺术过程的过度智能化,通过直觉游戏和实验来理解反身思维定势,试图让自己的作品从头到尾都充满了活力。艺术学校往往将“真诚”当作艺术价值的衡量标准之一。然而流行文化却崇尚技巧和虚幻的热爱。Michelle对视觉语言提出了质疑,认为它往往代表了与“真诚”相反的东西:流行和媚俗。通过分解构成舞台和银幕的视觉元素,Michelle将注意力转向解构线性叙事后的符号,将它们还原到意义的能指,而不是具有情感深度的能指。在她的艺术实践中,通过夸张和噱头,来证明消除作品中的虚幻元素并不代表马虎了事。最重要的是,Michelle希望自己的作品能让观众能会心一笑。

  Isotta的作品探索了伴随着数字化和非物质化的文化生产方式的当下,将社会雕塑作为一种凝聚和人性化的力量。其作品实践是高度基于过程的,从回收废弃的材料为出发点,将重工业元素作为过时、当代毁灭和时间流逝的社会文化标志。

  Isotta的作品是对古代和古典主题的颠覆,其中古典艺术作品一种象征性的视觉工具,在解构舞台展示形式的过程中,将展览重新定义为一种促进社会互动和公共接触的积极环境中都得到了体现。

  Eleanor的艺术实践集中在声音作品的创作上,这些作品中构建了视觉容器,反映了声音的形式,并将其延伸到物质世界。其研究和实践的驱动力是景观与记忆、城市与田园环境、社会与个人怀旧以及自然与真实之间的复杂性。

  Eleanor的作品将自然、人工和存档的声音编织在一起,探索了内部与外部、微观与宏观之间的界限。其作品不仅是个人、童年的隐喻,也在社会层面上隐喻了过去简单时间影响未来进步的愿望。

  Fabi与人工智能机器学习算法合作制作了毕业作品。通过将AI从工具转变为合作者,Fabi展示了后工业世界的伦理关怀。通过模仿和干预,引发观众、艺术家和技术之间的对话。通过训练文本生成算法和预测作者,Fabi根据商业广告和艺术论文的语料库与AI共同撰写文本。对作者身份和归属的关注阐明了合作者之间权力的动态变化,而对文学风格的算法操纵则凸显了语言的社会约束。这里的作者已经让人分不清到底是Fabi还是AI了。

  Fabi的作品似乎在质疑我们使用的“工具”在多大程度上支配着我们作出的选择?技术会对我们的创造力和自由意志产生什么影响?

  画廊、一座大教堂和一片森林都有一种特殊的空间感,这种空间感让观众意识到自己与宏大叙事息息相关。它们可能都被认为是唤起精神情感的神圣空间。当代的价值观和个人与自然环境的关系是支撑Natasha艺术实践的两个主题。

  Natasha利用各种不同的媒介来创造神圣空间,将素描、绘画、拼贴创造出的想象空间转化成沉浸式的装置作品。运用尺度感、凝视方向、色彩和光线,为观众提供一个可以安静、沉思的避难所。通过收集、重构和敬畏的创作过程,作者探索了我们与自然世界的关系和与之相关的当代神圣观念。

  Molly的作品通过传统的地毯簇绒来表达在数字时代的个人疑问,借鉴当代社交媒体生活,利用故障艺术的视觉美感。改变地毯的常用形态,类似于病毒或细菌的形态置于墙上,夺人眼球的色彩、令人不安的短语和有机变形虫般的外形,作品意在压倒感官,发出质疑。这是基于这样一种想法,即怀疑可以被视为一种疾病,随着时间的推移,它会改变和变形,继续控制我们。Molly的作品在挑战传统工艺的观念,将地毯与当代相关联,以视觉进步和引人入胜的方式记录当代存在。

  虽然Molly的作品是从个人角度出发,但是观众仍然可以赋予地毯上短语以自己的含义。当观众进入空间时,物体允许个人情感的投射,在一个物理的、有形的媒介中呈现他们自己的“质疑”。

  Jody的动力来自于艺术中制度空间的等级结构和参观者在其中进行的仪式,利用颜色、形状和物质性作为媒介进行探索,以颠覆制度空间的严肃性进行重建。Jody的作品是一个艺术游乐场,各种成分在此混合。绘画对于Jody来说就像写作一样,灵感是变换不息的,如同潜意识中思想的漫游。Jody通过探索如何将作品直接融入建筑空间,打破从二维转向三维的过程,将模型放大以构想沉浸式装置或建筑干预,最终寻求对抗和有趣地打破制度空间中的动态障碍。

  Oma被各种形式的对话中蕴含的情感所驱动,相信讲故事的力量。目前的实践重点是创建互动项目,包括游戏、装置,探索情感交流的边界。

  Oma目前正在着手进行一个关于嗜睡症历史的互动项目的演示,透过发现这一疾病和试图进行治疗的人的视角,探索这些尝试的连锁效应。

  Sofia通过艺术实践出于描绘自我的本能冲动,创建地图以定位自己、明晰周围的空间。其作品融合了自传、人类学和地图制作。所使用的材料超越了最初的形式和功能,赋予其个人和历史的叙述性。

  人类有着悠久的自我保护历史,但Ko Huai选择让自己屈从于这样的生理和心理极端。真实的行为带着真实的血液和剧烈的痛苦,似乎以其超负荷的暴力和危险来探讨个人安全和公共健康的纪律问题。Ko Huai的作品让公众感到不适和恐惧。

  过去的几十年内,台湾工业化快速发展,Ko Huai对现代化世界产生了浓厚兴趣,其作品中融入了现代化的城市景观,也代表着她的成长节点。

  Ko Huai的作品中遍布脆弱的纹理和细节,反映出敏感而忧郁的个性。绘画和表演中引出了“毁灭”和“建构”这两大主题。她的大部分视频作品都聚焦于嘴唇-是沟通、权力、诱惑、背叛的终极工具。血液用于表现死亡和伤害,同时也是潜在的强大力量。


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